古代の風景、街角のざわめき、鳥の声…
旅の記憶を牧歌的なアンビエント・ポップへと昇華した、Isik Kuralの新たな傑作。

トルコにルーツを持つ作曲家／ソングライターのIsik Kuralは、10代の頃、ナイロン弦のギターをかき鳴らしながら、偶然耳にした言葉や会話だけを使って遊び心あふれる歌詞を作り、音楽の基礎を築いた。気軽な好奇心から始まったその営みは、後の彼の表現活動の土台となり、音楽を中心とする人生を築くため、マイアミ大学で専門的に学ぶきっかけとなった。

生来の探究心に導かれ、彼はヘルシンキから、現在の居住地であるグラスゴー、そして歴史を秘めたさまざまな土地へと、リズムや古くからの言い伝えを追いながら旅を重ねてきた。とりわけ、古代の面影を残す黄金色の ...もっと読む世界をさまよった経験が、『Motorcycles and Cherry Wind』の感情的な底流を形作っている。

『Motorcycles and Cherry Wind』というタイトルと、本作を動かす精神は、2022年にKuralがマラケシュを訪れた旅にさかのぼる。街の中心部の喧騒を眺めながら、彼が惹かれたのは事実を記録することではなく、音に絡みついた一瞬の感覚を捉えることだった。

本作を初めて聴くと、かつて訪れた街々の温かな記憶が、一枚の映像ではなく、感覚のすべてを伴って押し寄せてくる。踏み固められた土の鉱物的な匂い、村の壁の手触り、穏やかな10月の午後、道端の露店で熱気の下に寄り集まる深紅の果実を、光が柔らかく照らす様子——そうした記憶である。

旅の最中に生まれる記憶は、その瞬間には必ずしも地図上に位置づけられるものではない。しかし、そこから距離を置くことで、新たな模様を見せ始めることがある。『Motorcycles and Cherry Wind』において、Kuralはそうした内面の痕跡を、大切な小物を集めるように収集している。イスタンブールの乗合バス「ドルムシュ」で録音したフィールド・レコーディング、古代リュキアの地で泳いだ後の余韻、ブリッジ・オブ・アランで録音した鳥のさえずり。それらを尽きることのないアーカイヴとして蓄積し、熟練した収集家のように何度も立ち返る。

彼はそれらを急ぐことなく一つひとつ選り分け、新たな注意をもって耳を傾ける。かつては見逃していたかもしれない視点を発見した後、その貴重な糸を、緻密な質感を備えた空気感豊かなアレンジへと織り込んでいく。ピアノの鍵盤、ギターのフレーズ、木管楽器、さらには伝統的な記譜法によって書かれたアレンジまでもが幾層もの音の中に組み込まれ、アルバムに精神的で、ほとんど超越的ともいえる響きを与えている。

『Motorcycles and Cherry Wind』のすべての楽曲は、先人たる音楽家たちへの賛歌である。彼らから借り受けた旋律は、いくつもの人の手を通り抜けるたびに、新たな意味と目的を獲得していく。

本作には9人の音楽家が参加しており、その名前と出身地を並べるだけでも、一枚の地図が浮かび上がる。

Gabriel Bastos（ヴァイオリン、ヴィオラ／ブラジル）
Noelia Diaz（チェロ／アルゼンチン）
Giulia C（フルート／イタリア）
Sasko Temelkoski（バス・クラリネット／北マケドニア）
Teresa Castanon（クラリネット／スペイン）
Hannah Gobbett（クラリネット／イングランド）
Niki Yaghmaee（ヴァイオリン／ドイツ）
Ezgi Daloglu（フルート／イスタンブール）
Loris S. Sarid（クラリネット／グラスゴー）

各地に散らばるアンサンブルの地理的背景と文化的な参照点は、グラスゴーで一つに結びつき、『Motorcycles and Cherry Wind』の中で一つの形へと収束する。その中心に立つKuralは、静かでありながらも確かな深みへと楽曲を導いていく。

Kuralは、現代的なスタジオでの抽象的な制作を通じて、忘れられかけた伝統の断片を生かし続ける。そして聴き手を、一つの生きた遺物の中へと引き込んでいく。それは、昨日の世界を今日の手の中に封じ込めたものだ。その起源がどこにあるのかよりも、そこに残り続ける温もりの方が重要なのである。

10代の頃、ギターとキーボードを用いた初期の実験を通して音楽に取り組み始めたSpragueは、2010年代初頭にインディー・バンドFloristで熱心な支持を集めた。その後、2017年から自身の名義で実験音楽／アンビエント作品へと活動を広げていく。

当初は自主リリースを行い、その後RVNGとパートナーシップを結んだ彼女のソロ作品には、『Water Memory / Mount Vision』（2017 / 2019）、『Hill, Flower, Fog』（2020）、『Cloud Time』（2025）がある。

現在も暮らすキャッツキル近郊のニューヨーク州北部出身であるSpragueは、感情を統合し、空間的に捉える方法として音楽に向き合い始めた。幼少期には母親か ...もっと読むらピアノを習い、のちに実験を通じてギターを学んだ。理論やスケールよりも、特別に大切に感じる一曲一曲や直感的な音の構造、メロディの力、 instinctiveな音の身振りを重視していた。

やがて彼女は、マルチトラック・ループやペダルを用い、非モジュラー・シンセサイザー、そしてモジュラー・シンセサイザーでサウンドスケープを制作するようになる。出力と入力をパッチングする行為は、精神の動きや瞑想的な状態を音によって象徴化する方法となった。

2019年頃、フィルム写真に再び取り組むようになったことをきっかけに、Spragueはサイアノタイプと、サイアノ技法で植物を記録した植物学者・写真家Anna Atkinsの作品に強く惹かれていった。Atkinsの写真が持つ感情的な空気感は、遠い惑星「Cyano」に住む人物の物語へとつながっていく。

かつて地球に似ていたCyanoは、誤解によって破壊され、個人性を捨てて同化的な共生を強いる擬似的な相互性のもとに置かれていた。Cyanicという人物は、記憶、粒子、象徴を手がかりにしながら、繊細な試みを通じて自律的な欲望、共感に基づく衝動、そして本物の表現をその世界に取り戻そうとする。

『Cyano』を通じてSpragueは、この世界がどのように感じられるのかを表す音響的・環境的なパレットを探している。ピアノやギターのようにも聴こえるが、完全にはそうではない音。自己、他者、生態系、遠い世界における生命との関係をまたぐ連続体としての音である。

『Cyano』は、表現を呼び起こすための出口であり、変化し続ける世界の壮麗で、ときに摩耗を伴うテクスチャーのなかで理解をつなぐための道具でもある。

『Cyano』では、実験的で定型を持たない音楽が、Floristの楽曲に見られるより伝統的なソングライティングを解体している。2016年に行われたSprague最初期のモジュラー・シンセ実験から生まれた即興的なパッチングと音は、過去の時代や内なる世界への訪れをもたらし、光の筋をたどりながら記憶と欲望を描き出す。

パートナーでありコラボレーターでもあるV Haddadをフィーチャーした冒頭曲「Double Moon」は、Cyanoの並行世界を前景化する。音の要素は、まだらな揺らぎのなかで現れては消え、パッチングによるグラデーション、霜に覆われた角度、温かなメロディの波紋によって彩られていく。

『Cyano』は、虹色の繊細さを呼び起こす。夜の色彩が空を横切り、それによって可能になる輪郭を照らし出すように。精緻に構成された各曲は、動き、水、地平線、音色への好奇心を表し、抽象的な要素を、より強い気配を持つ触れられる瞬間へと変えていく。

『Cyano』の想像上の物語の糸は、SpragueとHaddadが冬至の時期にアイスランドのフィヨルドを訪れた旅のなかで形を得たが、アルバム自体は、それからかなり後のある一か月間で完成された。

Spragueの音楽的アプローチは、自己と他者の歴史を掘り起こすこと、すなわち内面的・対人的なつながりのあり方、そしてそうした試みの移ろいやすさに根ざした、きわめて個人的な空気感によって特徴づけられる。親密な現象学的探究を通じて、『Cyano』は脆さを受け入れる、さりげなくも印象的なテクスチャーを提示する。

スタジオ録音もライヴ・パフォーマンスも、Spragueにとっては、異なる土地にいながらも感情的な一貫性によって結ばれ、時間を越えて聴き手と意味のあるつながりを築くための媒体である。

『Cyano』では、すべての音がシンセサイザーによって生成されており、サンプルやアコースティック楽器は使用されていない。また本作では、これまでインストゥルメンタル中心だったSpragueのソロ作品に歌唱が導入され、言葉のない音楽と歌詞を持つ音楽の間をつなぐ試みとなっている。

現在もさらなる『Cyano』の楽曲構想が進められているなか、本作はその最初の提示である。意図的に原始的でミニマルな、はるか遠い場所から届くノイズ混じりの通信のような作品だ。感情、言語、音を探るSpragueの旅は、精神的な物質に新たな配置を与え、川辺の庭を抜けて海へと流れ込む生命力のように響く。

これらの楽曲は、内面と想像によって生み出された世界の磁力を持つ地形において、感情と場所を地図化していく。そこでは、知ることは謎であり、その謎が現実へと裂け目を開いていく。

カトリック系の放送局で制作され1973年にオーストラリアの〈Philips〉からリリース、1976年にはアメリカ、オハイオ州のローマ・カトリック系のレーベルからもリリースされたシスター・アイリーン・オコナーのアルバム。シスター・マリミル・ロブレガットと二人での制作。アイリーン・オコナーの歌の魅力、LO-FIドラムマシン、エレクトリック・オルガン、ギターと、リバーブ感の音響、ミックスワーク。随所に音楽的驚きがあり、スピリチュアルで、生真面目なほど、愛嬌、可笑しみが増すような絶妙さ。これまでブートレッグが何種か存在しているが、今回は正規再発、リストアに定評のあるGRAMMYノミネートのエンジニア、ジェシカ・トンプソンによって現存の最良の音源から修復・リマスター。詳細なライナーノーツと18ページの ...もっと読む (サイトウ)歌詞ブックレットが付属した愛溢れる再発ワーク。人々の心を和らげ、世界平和をもたらす類の音楽です。クレイジーな世の中ですが、兵器に変えて「愛の灯火」で満たされた世界の狂気も想像してみてください。アートワークも大好きです。 (サイトウ)

Horse Lordsの『Demand to Be Taken to Heaven Alive!』に収められた音楽は、信じがたいほど精緻でありながら、同時にきわめて人間的な温もりを宿している。全12曲は幾重にも折り重なりながら緻密に編み込まれ、音色やリズムの両面で複雑に展開。モアレのような相互作用と反復模様が、思考と身体の双方に働きかけ、無数の音の迷宮を生み出しながらも抗いがたいグルーヴを保ち続ける。
バンドが長年培ってきた独自の音楽言語をさらに押し広げる飛躍的な一作であり、『Demand to Be Taken to Heaven Alive!』は、聴き手を精神的で恍惚とした、そして理想郷的な音響空間へと解き放つことを目指している。(インフォメーションより)

Morr MusicなどからリリースしていたFensterのメンバー、シンガーで、VideokillsというVideo Art、マルチメディア・アーチスト集団の創設者の一人でもあるというJJ WeihlのプロジェクトDiscovery ZoneがRVNG INTL.からデビュー。2NDアルバムをリリース。初回限定盤、アルバムの歌詞がプリントされたインナー・スリーブ付き。 (サイトウ)

〈Morr Music〉から作品を出している実験的ポップバンドFensterのメンバーで、歌手であり、ビデオアート集団VIDEOKILLSのディレクターも務めるJJ Weihl。NY出身でベルリンを拠点に活動する彼女のDiscovery Zone名義での〈RVNG Intl.〉からは2枚目となる最新作。49台のスピーカーによるアンビソニックス環境を前提に構築された楽曲は、長年のコラボレーターE/Tとの再ミックスを経て、立体的な広がりを保ちながらステレオ作品として新たな姿を獲得。サイエンスライターのジェームズ・グリックや、天文学者ケプラー、作家ボルヘスらの思想に触発され、自然、意識、情報、神話をひとつの大きな循環として結ぶロマンチックなエレクトロニック・サイエンス。ビッグバンをデジタルな創世譚 ...もっと読むへと変換するサウンド、無限に増殖する図書館、ループするデータの海、自然音と電子音が溶け合う風景などを通して、人間とテクノロジー、現実とシミュレーションの境界を横断。滑らかなシンセと声が交信する先行曲「Dusk」をはじめ、壮大なコンセプトを持ちながらも決して難解ではない、ポップでノスタルジック、ニューエイジも感じさせるサイバー・ミュージック。

バークリー音楽大学で学んだ作曲家であると同時に本格的なパペッティアとしても活動する、ブルックリン拠点の異色のアーティストTristan Allen。本作『Osni the Flare』では、庭で暮らす主人公Osniが熾火を見つけ、やがて火の神へと変容する創世神話を全4幕で描写。人形劇の”真実の嘘を語る”という思想を音楽へと置き換え、物語と音響が一体となった独自の世界を構築。録音はブルックリンの自宅を中心に行われ、ピアノ、ハルモニウム、ポンプオルガン、トイピアノ、オカリナ、ミュージックボックス、ベルなど数多くの楽器を使用。言葉を排したボーカルやフィールド・レコーディング、即興演奏を素材にした音の層が繊細に積み重ねられ、ファンタジーでありながらリアルな感触も持つ音響空間を生み出している。童話のよ ...もっと読むうな無垢さと、実験音楽ならではの細密な構築性が違和感なく共存し、聴き進めるほどに世界の輪郭が浮かび上がる。人が演奏したのではなく、幻想世界そのものが鳴っているような音楽を目指したAllenの理想が、驚くほど高い完成度で結実した一作。

「収録された14曲は、かすかに光る夜の背景、つまり自然界を希薄かつ超現実的に表現した音によって形作られる洞窟のような空間を舞台に、揺らぎ、うねり、きらめきを見せる。そのアレンジは壮大であると同時に儚く、これまでの作品に対する逆転であり集大成でもあり、彼らがこれまでに生み出してきたどの作品にも引けを取らない冒険的な試みとなっている。」

日本の環境音楽を世界に紹介した第１人者でもある Spencer Doranと、 Eternal Tapestry等で活動していたシンセサイザー奏者Ryan CarlileによるプロジェクトVisible Cloaks。カセットオンリーのリリースを除いた2017年リリースのアルバム傑作「Reassemblage」以降、アンビエントやニューエイジ、ID ...もっと読むMに独自の新しい流れをもたらしてきたVisible Cloaks。Yoshio Ojima & Satsuki Shibano との2019年の「Serenitatem」以来となる待望の新作アルバム。プレヴューで聴ける数曲、デジタルと、フィールドレコーディング、透明感のあるサウンドと深みもましたようなサウンドで期待大。是非！(LPのコメントより)

パンデミックの影響により２度に渡るキャンセルを経て2024年に遂に実現したEmily A. Spragueの初の日本ツアーでの演奏を収録したのが本作『Cloud Time』である。この音源はスプレイグにとって神話的な意味合いを帯び、彼女自身の音の白鯨のような性質を帯びていた。
「キャンセルされた旅と忘れ去られた音楽の空虚な空間は、奇妙な小さな霧のような霊魂へと変わり、私に付きまとうように感じられた」「ツアーの準備を始めた時、日本への招待は、何かを自分のコントロール下に置き、そこに持ち込むというよりも、むしろこの新しい場所に自分自身を開くことなのだという感覚を拭い去ることができませんでした。即興は常に私の音楽活動の大きな柱であり、その過程を通して、この国、空間、そして人々と出会いたいと強 ...もっと読むく願っていました。」と彼女は語る。

ステージ上でのこうした直感的なささやきを増幅させるため、スプレイグは、可能な限りエラーのない設計で長年使い続けてきたライヴ機材を、より自由で柔軟なセットアップへと再構築した。それは、毎晩、実質的に白紙の音のキャンバスと触れ合うことを可能にしたのだ。それぞれのパフォーマンスは、環境と本能のコラボレーションとなり、スプレイグはその夜を形作る出来事、エネルギー、そして感情を、新たなサウンド・エコシステムを通して処理し、耳を開き、心を開いてくれる観客一人ひとりに、完全に今ここにいる、唯一無二の自分を投影した。「私にとって、それは単なる演奏行為以上のものでした。時間と場所を体感する体験だったのです」

『Cloud Time』の流れを描く7つの長編楽曲は、アーティストのステージ・レコーダーにアーカイヴされた8時間以上の録音から抜粋され、追加ミックスや最小限の編集のみで惜しみなくアルバムに収録されている。アルバムが都市から都市へ、会場から会場へと移動する中で、リスナーは深く根付いた存在の瞬間に静まり返る。そして本作は各開催地で録音された素材の年代記であり、スプレイグは直線的な時系列ではなく、ムードに基づいたストーリーテリングに基づいてアルバムを選び、構成している。 「アルバム全体が、これまでのライヴ・パフォーマンスの一つ一つと同じように流れるようにしたかったんです」と彼女は説明する。「同時に、全体を旅として捉える精神も保つようにしました」。その結果生まれたのは、今や記憶という輝く琥珀色に閉じ込められた、力強い発酵から生まれた、旅行記、ラブレター、そして印象派的なコラージュが等しく融合した作品だ。

環境音楽という、国内外で広く知られる環境音楽哲学に深くインスパイアされた『Cloud Time』は、ポーリン・オリヴェロスのディープ・リスニングの実践と同様に広大な精神に共鳴し、リスナーを作曲家と位置づける。心のこもったシンセサイザーの周波数に根ざし、豊かに包み込み、癒やしを与えるアンビエント・ミュージックは、まるで聴き返しているかのような音楽だ。「Nagoya」「Tokyo 1」、そして10分間の「Matsumoto」といった曲は、優しく手入れされた風景の原子的な共鳴を響かせ、息苦しく束縛するような視点に深く入り込み、そこから遠く離れてゆくための空間を提供している。 『Cloud Time』は、つかむものは何もなく、ただ流れていくだけ、そして得るものだけがある、一瞬一瞬を儚くも永遠なものと受け入れる、そんな招待状だ。

ツアーを通してスプレイグが実践した、受容と手放しの実践は、彼女が自分自身を「ゲスト」としてだけでなく「尊敬されるパフォーマー」として理解する上で、深い影響を与えた。「自分がどこにいても愛し、今この瞬間に存在し、心と感情の明確なコミュニケーションのチャンネルに集中するというプロセスは、空間、そこにいる人々、そして自分自身への深い敬意に根ざしており、結果として深い癒しをもたらしました」と彼女は語る。「私のヴィジョンと希望は、このアルバムが、そこにいた人にも、そうでなかった人にも、贈り物として届けられることです。過ぎ去っていく人生のクラウド・タイムを。」

コロンビアのペレイラで生まれたルクレシア・ダルトは、音楽愛好家の家庭で育ち、9歳のときにギターを手にするよう勧められた。ダルトはこの創造的な衝動に従い、コンピュータを使った制作に魅了され、土木技師としての急成長のキャリアを捨て、メデジンからバルセロナ、そして最終的にはベルリンへと移り住み、そこで自身の独特で冒険的なサウンドを発展させた。彼女の作品は、RVNGに移籍してから『Anticlines』（2018年）、『No era sólida』（2020年）、そして2022年に発表した特筆すべき画期的なSFボレロ・アルバム『¡Ay!』の3作をリリースし、その過程で、『On Becoming a Guinea Fowl』（2024年）、HBOのシリーズ『The Baby』（2022年）、そして近日 ...もっと読む公開のサイコホラー『Rabbit Trap』などの映画音楽制作にも活動の幅を広げ、サウンド・インスタレーションやパフォーマンスでは、彼女の光り輝く転調と独特で進化するヴォーカル・アプローチを披露している。

このたびリリースとなる『A Danger to Ourselves」は、ダルトが『¡Ay!』のツアー中の生活や新しい人間関係の形成期に書き留めた断片的な宣言から生まれた。彼女は2024年1月に、これらの親密な断片を音楽的な構成に結晶化させ始め、目的のある曲群を徐々に形にしていった。アルバムのサウンド構成は、コラボレーターのAlex Lázaroが提供するダイナミックなドラム・ループを基盤としており、そのパーカッシヴなバックボーンは、『¡Ay!』と同様、ダルトの重層的なヴォーカルのキャンバスとなった。従来のメロディックな構造に従うのではなく、このアルバムはベース・ライン、リズム、作曲デザインの相互作用によって音楽性を生み出している。大胆なプロダクションの選択と緻密なレコーディング・テクニックによって、声と楽器が新たな深みと輝きをもって調和する、ダルトの妥協のない音の明瞭さへの探求を明らかにしている。

明確に反コンセプチュアルな『A Danger to Ourselves』は、ダルトが音楽そのものに遮るもののない集中を導く詩的な本能であり、楽曲の枠組みを超越するボーカルと、原始的でロマンチックなスリルのきらめく響きを探求している。ダルトの細部への明晰なこだわりは、あらゆる小節に感じられ、献身的な姿勢が同心円を描きながら、個人的なものと霊的なものを統合する場を形成している。直感的な実験から生まれたこのアルバムは、シンプルなジェスチャーと複雑な構成を用いて、スペイン語と英語の間を伸縮自在なサウンドスケープと魅惑的な聴覚コラージュを通して行き来する「divina」のように、彷徨うようなラインを織り成している。

アルバム・タイトルは、デヴィッド・シルヴィアンの歌詞「cosa rara」から生まれたもので、人生の儚さ、愛の揺らぎ、奇跡への憧れを象徴的に映し出している。『A Danger to Ourselves』は、こうした超越的な状態を映し出し、人間の複雑な絡み合い、より啓示的な内面世界へ向かうドーパミン・スパイラルや一般的な経路からの解放への願望を屈折させている。高名なアーティストが多数参加したコラボレーションのコラージュであり、シルヴィアン自身も『A Danger to Ourselves』で共同プロデューサーとミュージシャンの二役を演じた。また、フアナ・モリーナが「the common reader」で共同作曲と演奏を、Camille Mandokiが「caes」でヴォーカルを、Cyrus Campbellがエレクトリック・ベースとアップライト・ベースの基礎を、Eliana Joy が複数のトラックでバッキング・ヴォーカルとストリングス・アレンジを担当している。

『A Danger to Ourselves』の光り輝く深淵において、ダルトは、音の錬金術を通して個人的なものが普遍的なものとなる深遠な変容を演出している。このアルバムは、集大成であると同時に出発点でもあり、彼女のこれまでの実験的な旅が、驚くほど親密でありながら広大なものへと収束する入り口でもある。感情的な啓示が網の目のように張り巡らされており、各曲は、ダルトの歌声が新たなハーモニーの領域を超えて啓示を体現する、脆弱性の的確に示している。従来の境界を超えた直感の生きた記録を創り上げ、音楽が鏡となり窓となる世界へと導いている。

NNA TAPESやNorthern Spy等でリリースを重ねてきたHorse Lordsが〈RVNG INTL.〉から新作リリース。アメリカの実験音楽家La Monte YoungやJames Tenneyが好んだ純正律のチューニングを取り入れ、アフリカン・ポリリズム、モジュラーシンセ、アパラチアの伝統音楽などの影響を受け、ミニマリズム、実験的な要素を取り入れながら、NO NEW YORKやクラウトロックのパンクな衝動、フィジカルな躍動に遊び心もあり、血湧き肉躍る音楽です。GOATのファンも是非。 (サイトウ)

コンテンポラリーバレエのための音楽でデビューし、RVNG INTL.と契約したSign Libraの2020年の「 Sea To Sea」以来となるニューアルバム。 (サイトウ)

70年代後半から80年代半ばにかけて、アンダーグランドミュージックのハブになっていたワシントン州、オリンピアから産まれた音源。81年から84年にかけてリリースされた音源をFREEDOM TO SPENDがコンパイル。民族音楽、サティのミニマリズム、ライヒ、ローリー・アンダーソンの先鋭音楽、YOUNG MARBLE GIANTSなどのポストパンク的な感触も伺えるような魅惑のサウンド。推薦盤。 (サイトウ)

2021年の「Under~Between」、2015年「Advanced Myth」の再リリースを行ってきた〈Rvng Intl.〉からニューアルバム「Atlas of Green」。「失われた信号と永続する衝動がテクノロジーと時間の堆積物から発掘される、未来の夜明けの時代に活動するグリーンという名の若いミュージシャン」にまつわる物語で、アーシュラ・K・ル・グウィンやジーン・ウルフのようなファンタジー小説にインスピレーションを得ているとのこと。電子音と、アコースティックな要素も感じさせ、ミニマリズムやダンスなエッセンス、熱量のあるエレクトロニック・ミュージックドリーム・ポップを産み出しています。Stephan Mathieuマスタリング。 (サイトウ)

「アパラチアやアフリカの伝統音楽、ポリリズム、ラ・モンテ・ヤングらが使用した純正律の音階を取り入れた」という謳い文句で登場し、変拍子、マスロック、ポストパンク、サイケデリック、アメリカの実験的な音楽シーンを凝縮したようなバルチモアのバンドHorse Lords。躍動感も感じ取れる。 (サイトウ)

幼少期に聴いて育ったコロンビアの音楽、フォルクローレ、地盤工学の技師で積年、積み重ね封じ込まれた地質学の位相幾何学的な研究も音楽に反映しているというルクレシア・ダルトのニューアルバム。これまでどちらかというと、楽器と同等に使用してきた声楽から、より歌へのアプローチがされていて、伝統的な楽器を含む、生楽器のミュージシャンも参加。サルサで使用されるトゥンバオや、ボレロのリズムパターンをスローダウンさせて取り入れ、新たなフォームを模索しています。あからさまなクレイジーさは薄れ、ゆったりりと驚きの世界、歌、フォルクローレ、神話性、音の物語の世界観。演劇性高く、これまで同様深み、サイケデリックな感覚、素晴らしい世界を展開しています。是非。 (サイトウ)

ドリームポップ、淡いがじっくりとイマジナリーな世界が広がっている。素晴らしい音楽。
「イシク・クラルの『in february』は、過ぎ去る時間と戻ってくる時間の中にある日常の詩を、まるで人生の時間性を表すスナップショットのように記録しています。このアルバムの12曲は、それぞれ偶然のループから構成され、イシクの印象的な声とメロディープレーの柔らかいいれものに収めらる、時間が、願うなら、ありえないほど、永遠に保たれる場所。日時計の蝶がシーンを分けていく様子を追ってみてください。」 (サイトウ)

マディソンの実験サイケデリックアンサンブル”SPIRES THAT IN THE SUNSET RISE”創設者であり、ソロでも〈DRAG CITY〉などからリリースをするNY前衛シーンを筆頭する才覚KA BAIRDが待望新作をローンチ！リズミカルな電子音に、即興にも感じられるヴォーカルパーフォーマンスとノイズ、木管楽器を綿密に計算し配置。加えてコンクレートの手法を採用。具体音楽からオペラの要素まで吸収したアヴァンエレクトロニックミュージック。 (Akie)

音声、ライブ電子処理、サンプリングされたサウンド、およびビデオを扱う作曲家/パフォーマーで、メディアアーティスト。Pamela Z。RVNG ONTL.傘下でPete Swansonが運営する〈Freedom To Spend〉によるリマスター、初のアナログ化。 (サイトウ)