『『Cyano』において、エミリー・A・スプレッグは、親しみやすくも本能的に斬新な音響の領域を広げながら、複雑な世界を構築し、シンセサイザー奏者兼作曲家である彼女の内面世界を、異世界へと続く鏡を通して映し出しています。『Cyano』は、禁じられていた表現力や感情的なつながりの能力を再構築しようとしている住民たちが暮らす、想像上の惑星という構想から生み出されました。 誠実な表現の連なりである『Cyano』は、可視性、精神的な変容、光の伝達、そして我々の知るところを超えた世界についての瞑想である。この作品は、影と視覚が鋭い真実と交わる、つながりの可能性の構成を存分に楽しんでいる。10代の頃からギターやキーボードを用いた実験的な音楽活動を始め、2010年代初頭にかけてインディーバンド「Flor ...もっと読む (サイトウ)ist」で熱心なファン層を築いたスプラグは、2017年に本名で実験的／アンビエントな作曲活動へと活動の幅を広げた。 当初は自主制作でリリースし、その後RVNGと提携した彼女のソロ作品には、『Water Memory / Mount Vision』（2017年／2019年）、『Hill, Flower, Fog』（2020年）、『Cloud Time』（2025年）などがある。 ニューヨーク州北部、キャッツキル近郊（現在も同地に在住）出身のスプレッグは、感情を統合し、空間的に表現する手段として音楽に目を向け始めた。 幼少期に母親からピアノを教わった彼女は、その後、試行錯誤を重ねながらギターを習得し、自分にとって特別で大切な曲や直感的な音の構造に焦点を当て、理論や音階よりもメロディのインパクトや本能的な音の表現を優先しました。 やがて、彼女はマルチトラック・ループや、非モジュラー（その後モジュラー）シンセサイザーのペダルを使ってサウンドスケープを作り始めました。 出力と入力をパッチングすることは、精神的な動きや瞑想的な状態を音で象徴化する方法となった。2019年頃、フィルム写真に再び取り組むという転機を迎えたスプレイグは、シアノタイプと、シアノ法を用いて花を記録した植物学者兼写真家、アンナ・アトキンスの作品に魅了された。 アトキンスの画像が醸し出す情緒的な基調は、かつては地球のような遠方の惑星「シアノ」に住んでいたあるキャラクターの物語の糸口となった。その惑星は誤解によって破壊され、個性を捨てて同化的な共生を強いられる、偽りの相互関係に追い込まれていた。 繊細な試みを通じて、この「シアノ」というキャラクターは、記憶、粒子、そして象徴が混ざり合ったその世界に、自律的な欲望、共感の衝動、そして真の表現を再びもたらしていく。 スプレイグは『Cyano』を通じて、この世界がどのような感触を持っていたかを表現する音響的・環境的なパレットを見出そうとしている。それは、親しみがありながらも全く異質な世界――ピアノやギターのように聞こえつつも、どこか違う音。自己、他者、生態系、そして遠い世界での生命といった、様々な関係性の領域を結びつける連続体である。 『Cyano』は、表現力を呼び起こす出口となり、進化し続ける世界の壮観かつ耳障りなテクスチャーの只中で理解を架け橋とするツールとなる。 『Cyano』において、実験的で形のない音楽は、『Florist』の楽曲に見られるより伝統的なソングライティングを脱構築する。 2016年にスプレイグが行った初期のモジュラーシンセ実験に由来する即興的なパッチングと音色は、過去の時代や内面の世界への旅へと誘い、光り輝く軌跡を通じて記憶と欲望をたどる。 スプラグのパートナーであり共同制作者であるV・ハダッドをフィーチャーしたオープニング・トラック「Double Moon」は、『Cyano』の並行世界を前面に押し出している。音響要素は、パッチによるグラデーション、霜が降りたような角度、そして温かみのあるメロディックな波紋を特徴とし、斑点状の振動の中で現れては消えていく。『Cyano』は、虹色に輝く繊細さを呼び起こす――夜空に描かれた色彩が、そこに浮かび上がるシルエットを照らし出す。各トラックは精巧に構成され、動き、水、地平線、音色への好奇心を表現し、抽象的な要素を、聴覚の及ぶ範囲のさらに奥へと引き込まれるような、手に取るように実感できる瞬間へと変容させる。 『Cyano』の想像の糸は、冬至の時期にスプレッグとハダッドがアイスランドのフィヨルドを訪れた旅の中で形を成したが、アルバムはそれよりずっと後の、数ヶ月を経て、わずか1ヶ月で完成した。 スプレッグの音楽的アプローチは、深く個人的な雰囲気を特徴としており、それは自己と他者の歴史――内面的および対人的なつながりの様式――を掘り起こすこと、そしてそうした試みの移ろいやすさに根ざしている。親密な現象学的探求を通じて、『Cyano』は脆弱性を受け入れる、繊細かつ印象的な質感を提供する。スタジオ録音もライブ演奏も、その表現手段として機能している。 (インフォメーションより)』 (サイトウ)

カトリック系の放送局で制作され1973年にオーストラリアの〈Philips〉からリリース、1976年にはアメリカ、オハイオ州のローマ・カトリック系のレーベルからもリリースされたシスター・アイリーン・オコナーのアルバム。シスター・マリミル・ロブレガットと二人での制作。アイリーン・オコナーの歌の魅力、LO-FIドラムマシン、エレクトリック・オルガン、ギターと、リバーブ感の音響、ミックスワーク。随所に音楽的驚きがあり、スピリチュアルで、生真面目なほど、愛嬌、可笑しみが増すような絶妙さ。これまでブートレッグが何種か存在しているが、今回は正規再発、リストアに定評のあるGRAMMYノミネートのエンジニア、ジェシカ・トンプソンによって現存の最良の音源から修復・リマスター。詳細なライナーノーツと18ページの ...もっと読む (サイトウ)歌詞ブックレットが付属した愛溢れる再発ワーク。人々の心を和らげ、世界平和をもたらす類の音楽です。クレイジーな世の中ですが、兵器に変えて「愛の灯火」で満たされた世界の狂気も想像してみてください。アートワークも大好きです。 (サイトウ)

Horse Lordsの『Demand to Be Taken to Heaven Alive!』に収められた音楽は、信じがたいほど精緻でありながら、同時にきわめて人間的な温もりを宿している。全12曲は幾重にも折り重なりながら緻密に編み込まれ、音色やリズムの両面で複雑に展開。モアレのような相互作用と反復模様が、思考と身体の双方に働きかけ、無数の音の迷宮を生み出しながらも抗いがたいグルーヴを保ち続ける。
バンドが長年培ってきた独自の音楽言語をさらに押し広げる飛躍的な一作であり、『Demand to Be Taken to Heaven Alive!』は、聴き手を精神的で恍惚とした、そして理想郷的な音響空間へと解き放つことを目指している。(インフォメーションより)

Morr MusicなどからリリースしていたFensterのメンバー、シンガーで、VideokillsというVideo Art、マルチメディア・アーチスト集団の創設者の一人でもあるというJJ WeihlのプロジェクトDiscovery ZoneがRVNG INTL.からデビュー。2NDアルバムをリリース。初回限定盤、アルバムの歌詞がプリントされたインナー・スリーブ付き。 (サイトウ)

〈Morr Music〉から作品を出している実験的ポップバンドFensterのメンバーで、歌手であり、ビデオアート集団VIDEOKILLSのディレクターも務めるJJ Weihl。NY出身でベルリンを拠点に活動する彼女のDiscovery Zone名義での〈RVNG Intl.〉からは2枚目となる最新作。49台のスピーカーによるアンビソニックス環境を前提に構築された楽曲は、長年のコラボレーターE/Tとの再ミックスを経て、立体的な広がりを保ちながらステレオ作品として新たな姿を獲得。サイエンスライターのジェームズ・グリックや、天文学者ケプラー、作家ボルヘスらの思想に触発され、自然、意識、情報、神話をひとつの大きな循環として結ぶロマンチックなエレクトロニック・サイエンス。ビッグバンをデジタルな創世譚 ...もっと読むへと変換するサウンド、無限に増殖する図書館、ループするデータの海、自然音と電子音が溶け合う風景などを通して、人間とテクノロジー、現実とシミュレーションの境界を横断。滑らかなシンセと声が交信する先行曲「Dusk」をはじめ、壮大なコンセプトを持ちながらも決して難解ではない、ポップでノスタルジック、ニューエイジも感じさせるサイバー・ミュージック。

バークリー音楽大学で学んだ作曲家であると同時に本格的なパペッティアとしても活動する、ブルックリン拠点の異色のアーティストTristan Allen。本作『Osni the Flare』では、庭で暮らす主人公Osniが熾火を見つけ、やがて火の神へと変容する創世神話を全4幕で描写。人形劇の”真実の嘘を語る”という思想を音楽へと置き換え、物語と音響が一体となった独自の世界を構築。録音はブルックリンの自宅を中心に行われ、ピアノ、ハルモニウム、ポンプオルガン、トイピアノ、オカリナ、ミュージックボックス、ベルなど数多くの楽器を使用。言葉を排したボーカルやフィールド・レコーディング、即興演奏を素材にした音の層が繊細に積み重ねられ、ファンタジーでありながらリアルな感触も持つ音響空間を生み出している。童話のよ ...もっと読むうな無垢さと、実験音楽ならではの細密な構築性が違和感なく共存し、聴き進めるほどに世界の輪郭が浮かび上がる。人が演奏したのではなく、幻想世界そのものが鳴っているような音楽を目指したAllenの理想が、驚くほど高い完成度で結実した一作。

「収録された14曲は、かすかに光る夜の背景、つまり自然界を希薄かつ超現実的に表現した音によって形作られる洞窟のような空間を舞台に、揺らぎ、うねり、きらめきを見せる。そのアレンジは壮大であると同時に儚く、これまでの作品に対する逆転であり集大成でもあり、彼らがこれまでに生み出してきたどの作品にも引けを取らない冒険的な試みとなっている。」

日本の環境音楽を世界に紹介した第１人者でもある Spencer Doranと、 Eternal Tapestry等で活動していたシンセサイザー奏者Ryan CarlileによるプロジェクトVisible Cloaks。カセットオンリーのリリースを除いた2017年リリースのアルバム傑作「Reassemblage」以降、アンビエントやニューエイジ、ID ...もっと読むMに独自の新しい流れをもたらしてきたVisible Cloaks。Yoshio Ojima & Satsuki Shibano との2019年の「Serenitatem」以来となる待望の新作アルバム。プレヴューで聴ける数曲、デジタルと、フィールドレコーディング、透明感のあるサウンドと深みもましたようなサウンドで期待大。是非！(LPのコメントより)

パンデミックの影響により２度に渡るキャンセルを経て2024年に遂に実現したEmily A. Spragueの初の日本ツアーでの演奏を収録したのが本作『Cloud Time』である。この音源はスプレイグにとって神話的な意味合いを帯び、彼女自身の音の白鯨のような性質を帯びていた。
「キャンセルされた旅と忘れ去られた音楽の空虚な空間は、奇妙な小さな霧のような霊魂へと変わり、私に付きまとうように感じられた」「ツアーの準備を始めた時、日本への招待は、何かを自分のコントロール下に置き、そこに持ち込むというよりも、むしろこの新しい場所に自分自身を開くことなのだという感覚を拭い去ることができませんでした。即興は常に私の音楽活動の大きな柱であり、その過程を通して、この国、空間、そして人々と出会いたいと強 ...もっと読むく願っていました。」と彼女は語る。

ステージ上でのこうした直感的なささやきを増幅させるため、スプレイグは、可能な限りエラーのない設計で長年使い続けてきたライヴ機材を、より自由で柔軟なセットアップへと再構築した。それは、毎晩、実質的に白紙の音のキャンバスと触れ合うことを可能にしたのだ。それぞれのパフォーマンスは、環境と本能のコラボレーションとなり、スプレイグはその夜を形作る出来事、エネルギー、そして感情を、新たなサウンド・エコシステムを通して処理し、耳を開き、心を開いてくれる観客一人ひとりに、完全に今ここにいる、唯一無二の自分を投影した。「私にとって、それは単なる演奏行為以上のものでした。時間と場所を体感する体験だったのです」

『Cloud Time』の流れを描く7つの長編楽曲は、アーティストのステージ・レコーダーにアーカイヴされた8時間以上の録音から抜粋され、追加ミックスや最小限の編集のみで惜しみなくアルバムに収録されている。アルバムが都市から都市へ、会場から会場へと移動する中で、リスナーは深く根付いた存在の瞬間に静まり返る。そして本作は各開催地で録音された素材の年代記であり、スプレイグは直線的な時系列ではなく、ムードに基づいたストーリーテリングに基づいてアルバムを選び、構成している。 「アルバム全体が、これまでのライヴ・パフォーマンスの一つ一つと同じように流れるようにしたかったんです」と彼女は説明する。「同時に、全体を旅として捉える精神も保つようにしました」。その結果生まれたのは、今や記憶という輝く琥珀色に閉じ込められた、力強い発酵から生まれた、旅行記、ラブレター、そして印象派的なコラージュが等しく融合した作品だ。

環境音楽という、国内外で広く知られる環境音楽哲学に深くインスパイアされた『Cloud Time』は、ポーリン・オリヴェロスのディープ・リスニングの実践と同様に広大な精神に共鳴し、リスナーを作曲家と位置づける。心のこもったシンセサイザーの周波数に根ざし、豊かに包み込み、癒やしを与えるアンビエント・ミュージックは、まるで聴き返しているかのような音楽だ。「Nagoya」「Tokyo 1」、そして10分間の「Matsumoto」といった曲は、優しく手入れされた風景の原子的な共鳴を響かせ、息苦しく束縛するような視点に深く入り込み、そこから遠く離れてゆくための空間を提供している。 『Cloud Time』は、つかむものは何もなく、ただ流れていくだけ、そして得るものだけがある、一瞬一瞬を儚くも永遠なものと受け入れる、そんな招待状だ。

ツアーを通してスプレイグが実践した、受容と手放しの実践は、彼女が自分自身を「ゲスト」としてだけでなく「尊敬されるパフォーマー」として理解する上で、深い影響を与えた。「自分がどこにいても愛し、今この瞬間に存在し、心と感情の明確なコミュニケーションのチャンネルに集中するというプロセスは、空間、そこにいる人々、そして自分自身への深い敬意に根ざしており、結果として深い癒しをもたらしました」と彼女は語る。「私のヴィジョンと希望は、このアルバムが、そこにいた人にも、そうでなかった人にも、贈り物として届けられることです。過ぎ去っていく人生のクラウド・タイムを。」

コロンビアのペレイラで生まれたルクレシア・ダルトは、音楽愛好家の家庭で育ち、9歳のときにギターを手にするよう勧められた。ダルトはこの創造的な衝動に従い、コンピュータを使った制作に魅了され、土木技師としての急成長のキャリアを捨て、メデジンからバルセロナ、そして最終的にはベルリンへと移り住み、そこで自身の独特で冒険的なサウンドを発展させた。彼女の作品は、RVNGに移籍してから『Anticlines』（2018年）、『No era sólida』（2020年）、そして2022年に発表した特筆すべき画期的なSFボレロ・アルバム『¡Ay!』の3作をリリースし、その過程で、『On Becoming a Guinea Fowl』（2024年）、HBOのシリーズ『The Baby』（2022年）、そして近日 ...もっと読む公開のサイコホラー『Rabbit Trap』などの映画音楽制作にも活動の幅を広げ、サウンド・インスタレーションやパフォーマンスでは、彼女の光り輝く転調と独特で進化するヴォーカル・アプローチを披露している。

このたびリリースとなる『A Danger to Ourselves」は、ダルトが『¡Ay!』のツアー中の生活や新しい人間関係の形成期に書き留めた断片的な宣言から生まれた。彼女は2024年1月に、これらの親密な断片を音楽的な構成に結晶化させ始め、目的のある曲群を徐々に形にしていった。アルバムのサウンド構成は、コラボレーターのAlex Lázaroが提供するダイナミックなドラム・ループを基盤としており、そのパーカッシヴなバックボーンは、『¡Ay!』と同様、ダルトの重層的なヴォーカルのキャンバスとなった。従来のメロディックな構造に従うのではなく、このアルバムはベース・ライン、リズム、作曲デザインの相互作用によって音楽性を生み出している。大胆なプロダクションの選択と緻密なレコーディング・テクニックによって、声と楽器が新たな深みと輝きをもって調和する、ダルトの妥協のない音の明瞭さへの探求を明らかにしている。

明確に反コンセプチュアルな『A Danger to Ourselves』は、ダルトが音楽そのものに遮るもののない集中を導く詩的な本能であり、楽曲の枠組みを超越するボーカルと、原始的でロマンチックなスリルのきらめく響きを探求している。ダルトの細部への明晰なこだわりは、あらゆる小節に感じられ、献身的な姿勢が同心円を描きながら、個人的なものと霊的なものを統合する場を形成している。直感的な実験から生まれたこのアルバムは、シンプルなジェスチャーと複雑な構成を用いて、スペイン語と英語の間を伸縮自在なサウンドスケープと魅惑的な聴覚コラージュを通して行き来する「divina」のように、彷徨うようなラインを織り成している。

アルバム・タイトルは、デヴィッド・シルヴィアンの歌詞「cosa rara」から生まれたもので、人生の儚さ、愛の揺らぎ、奇跡への憧れを象徴的に映し出している。『A Danger to Ourselves』は、こうした超越的な状態を映し出し、人間の複雑な絡み合い、より啓示的な内面世界へ向かうドーパミン・スパイラルや一般的な経路からの解放への願望を屈折させている。高名なアーティストが多数参加したコラボレーションのコラージュであり、シルヴィアン自身も『A Danger to Ourselves』で共同プロデューサーとミュージシャンの二役を演じた。また、フアナ・モリーナが「the common reader」で共同作曲と演奏を、Camille Mandokiが「caes」でヴォーカルを、Cyrus Campbellがエレクトリック・ベースとアップライト・ベースの基礎を、Eliana Joy が複数のトラックでバッキング・ヴォーカルとストリングス・アレンジを担当している。

『A Danger to Ourselves』の光り輝く深淵において、ダルトは、音の錬金術を通して個人的なものが普遍的なものとなる深遠な変容を演出している。このアルバムは、集大成であると同時に出発点でもあり、彼女のこれまでの実験的な旅が、驚くほど親密でありながら広大なものへと収束する入り口でもある。感情的な啓示が網の目のように張り巡らされており、各曲は、ダルトの歌声が新たなハーモニーの領域を超えて啓示を体現する、脆弱性の的確に示している。従来の境界を超えた直感の生きた記録を創り上げ、音楽が鏡となり窓となる世界へと導いている。

NNA TAPESやNorthern Spy等でリリースを重ねてきたHorse Lordsが〈RVNG INTL.〉から新作リリース。アメリカの実験音楽家La Monte YoungやJames Tenneyが好んだ純正律のチューニングを取り入れ、アフリカン・ポリリズム、モジュラーシンセ、アパラチアの伝統音楽などの影響を受け、ミニマリズム、実験的な要素を取り入れながら、NO NEW YORKやクラウトロックのパンクな衝動、フィジカルな躍動に遊び心もあり、血湧き肉躍る音楽です。GOATのファンも是非。 (サイトウ)

コンテンポラリーバレエのための音楽でデビューし、RVNG INTL.と契約したSign Libraの2020年の「 Sea To Sea」以来となるニューアルバム。 (サイトウ)

70年代後半から80年代半ばにかけて、アンダーグランドミュージックのハブになっていたワシントン州、オリンピアから産まれた音源。81年から84年にかけてリリースされた音源をFREEDOM TO SPENDがコンパイル。民族音楽、サティのミニマリズム、ライヒ、ローリー・アンダーソンの先鋭音楽、YOUNG MARBLE GIANTSなどのポストパンク的な感触も伺えるような魅惑のサウンド。推薦盤。 (サイトウ)

2021年の「Under~Between」、2015年「Advanced Myth」の再リリースを行ってきた〈Rvng Intl.〉からニューアルバム「Atlas of Green」。「失われた信号と永続する衝動がテクノロジーと時間の堆積物から発掘される、未来の夜明けの時代に活動するグリーンという名の若いミュージシャン」にまつわる物語で、アーシュラ・K・ル・グウィンやジーン・ウルフのようなファンタジー小説にインスピレーションを得ているとのこと。電子音と、アコースティックな要素も感じさせ、ミニマリズムやダンスなエッセンス、熱量のあるエレクトロニック・ミュージックドリーム・ポップを産み出しています。Stephan Mathieuマスタリング。 (サイトウ)

「アパラチアやアフリカの伝統音楽、ポリリズム、ラ・モンテ・ヤングらが使用した純正律の音階を取り入れた」という謳い文句で登場し、変拍子、マスロック、ポストパンク、サイケデリック、アメリカの実験的な音楽シーンを凝縮したようなバルチモアのバンドHorse Lords。躍動感も感じ取れる。 (サイトウ)

幼少期に聴いて育ったコロンビアの音楽、フォルクローレ、地盤工学の技師で積年、積み重ね封じ込まれた地質学の位相幾何学的な研究も音楽に反映しているというルクレシア・ダルトのニューアルバム。これまでどちらかというと、楽器と同等に使用してきた声楽から、より歌へのアプローチがされていて、伝統的な楽器を含む、生楽器のミュージシャンも参加。サルサで使用されるトゥンバオや、ボレロのリズムパターンをスローダウンさせて取り入れ、新たなフォームを模索しています。あからさまなクレイジーさは薄れ、ゆったりりと驚きの世界、歌、フォルクローレ、神話性、音の物語の世界観。演劇性高く、これまで同様深み、サイケデリックな感覚、素晴らしい世界を展開しています。是非。 (サイトウ)

ドリームポップ、淡いがじっくりとイマジナリーな世界が広がっている。素晴らしい音楽。
「イシク・クラルの『in february』は、過ぎ去る時間と戻ってくる時間の中にある日常の詩を、まるで人生の時間性を表すスナップショットのように記録しています。このアルバムの12曲は、それぞれ偶然のループから構成され、イシクの印象的な声とメロディープレーの柔らかいいれものに収めらる、時間が、願うなら、ありえないほど、永遠に保たれる場所。日時計の蝶がシーンを分けていく様子を追ってみてください。」 (サイトウ)

マディソンの実験サイケデリックアンサンブル”SPIRES THAT IN THE SUNSET RISE”創設者であり、ソロでも〈DRAG CITY〉などからリリースをするNY前衛シーンを筆頭する才覚KA BAIRDが待望新作をローンチ！リズミカルな電子音に、即興にも感じられるヴォーカルパーフォーマンスとノイズ、木管楽器を綿密に計算し配置。加えてコンクレートの手法を採用。具体音楽からオペラの要素まで吸収したアヴァンエレクトロニックミュージック。 (Akie)

音声、ライブ電子処理、サンプリングされたサウンド、およびビデオを扱う作曲家/パフォーマーで、メディアアーティスト。Pamela Z。RVNG ONTL.傘下でPete Swansonが運営する〈Freedom To Spend〉によるリマスター、初のアナログ化。 (サイトウ)

日本の環境音楽の世界的な再評価にも影響を与えたるなど、近年のニュートーンでもキーワードになってきた音楽家Visible Cloaksのスペンサー・ドーランが手掛けたサウンドトラックです。彼の拠点ポートランドは、自転車のカルチャーの根づく街として知られますが、このゲームも自転車に乗っていろんな場所を訪れ、文章、写真、音などを日記に記録していくと言うスタイルで展開していくそうです。終焉を迎える世界「ゲームプレイの中心となるのは、探検、記録、出会い、そして奇妙な世界に広がる謎の解明。サウンドや音楽、芸術や建築物、大事な一瞬を生きる人々の物語... 記録用ツールは様々なレイヤーを捉える。ツールでレイヤーを剥ぎ取っていくにつれ、隠された文化、歴史、生態系が明らかになっていく。」ゲーム中でも音楽は重要な役割を果たしているそうです。音聴いているだけで、その世界観に触れてみたくなりますね。 (サイトウ)